Mierda del Artista. Piero Manzoni, Italia, 1961. Contenido neto 30 g, consevada al natural.
PIERO
MANZONI.
Es un crítico de la sociedad de consumo. Artista italiano, se le cataloga como artista conceptual irónico. Nos presenta, esta obra titulada “Mierda de Artista” (Merda d´artista). 90 latas de metal, las cuales contienen 30 gramos de sus propios
excrementos, producida y envasada en mayo de 1961. Con esta obra hace una crítica al mercado del arte, donde la simple firma del artista puede hacer que una “obra” se cotice muy alto.
Muchos especialistas definen
al Arte Contemporáneo como aquel surgido a partir de la Segunda Guerra Mundial
(1945). Hay otros especialistas como la
historiadora del arte Ana María Guasch que sintetizan al arte contemporáneo
como un momento histórico específico a partir de 1968 hasta aproximadamente 1975
y lo representa con la llamada desmaterialización de la obra de arte.
Esta
imprecisión temporal puede ajustarse sin afectar la esencia de lo
que es el arte contemporáneo, el cual rompe con las vanguardias
artísticas del siglo XX cultivando una postura reflexiva donde lo
importante no es el objeto artístico como tal, sino la idea, el
sentido, el significado, el discurso a partir de ese objeto artístico
o de ese objeto artístico.
Lo mas importante era materializar una idea. Destacan, en este momento, la desvalorización del objeto artístico tradicional y la importancia de asociar la obra artística con su propio proceso de creación, por lo que es mas "un arte procesal que objetual". 1
A finales del siglo XIX y
principios del siglo XX Europa vivía en una situación caracterizada por la
inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las distintas
naciones, que desemboca en la Primera Guerra Mundial, y una fecunda
productividad en el ámbito científico e intelectual. En ello el arte se vio
afectado y empezaron a surgir múltiples corrientes artísticas, los llamados
ISMOS, desembocando en el llamado Arte Contemporáneo que niega el pasado y
buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente de la
realidad, a la que ya no imitan, interpretan. Cabe destacar que esta
revolución estética no depende de la voluntad de una generación de artistas, ya
que estos no hacen más que traducir las concepciones intelectuales y sociales
de un momento histórico. Por tanto, son los cambios filosóficos, científicos y
políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad.
La diferencia
entre estas denominaciones es en cierta medida temporal; el arte modernoabarca
todas las corrientes que se originaron desde finales del siglo XIX hasta
finales de los años sesenta: Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo,
Abstraccionismo, Dadaismo, Surrealismo, etcétera, dando origen al denominado arte
contemporáneo para englobar a todas las corrientes que surgen en la segunda
parte del siglo XX.
Las
manifestaciones artísticas han buscado siempre romper con los principios académicos
previamente establecidos, procurando ser contemporáneos a lo que se está
viviendo en el contexto político, social y económico propiciando una nueva
forma de comprender y observar el mundo.Desde este punto de vista la obra
evoluciona a medida que cambia el contexto.
En el arte
contemporáneo la participación del espectador es muy importante, ya que se le
invita a ser parte activa en la obra interactuando de alguna forma, ya sea
escuchando, recorriendo el espacio que lo rodea y hasta a veces siendo testigo de su elaboración. El
artista busca que el espectador “complete” la obra con su propio punto de
vista; es por eso que de una sola obra surgen distintas interpretaciones,
pudiendo ser todas validas. El arte
contemporáneo engloba una variedad de lenguajes y distintos medios de
expresión, medios que hacen uso de materiales unidos a los avances de la
ciencia y la tecnología. Cada disciplina le da un valor determinado a los
elementos de creación artística. Como ejemplo pueden mencionarse: instalación,
fotografía, video, videoarte, performance, arte sonoro y
arte de medios masivos entre otros.
Este performace art y body art, es un ejemplo de estas primeras
manifestaciones de arte contemporáneo.
Antropometrías del periodo azul, Yves Klein, 1960. Arte del cuerpo, performance
En un primer acercamiento, el arte contemporáneo puede
parecer absurdo o incluso grotesco, tal vez difícil de aceptar bajo la
denominación de obra de arte. Para lograr comprender
qué es lo que los artistas comunican, es importante tomar en cuenta que en el
arte contemporáneo los códigos artísticos están abiertos y son múltiples; para entenderlos es importante poner en juego la interpretación.
Esto no es difícil si el espectador reconoce la actitud creadora que hay en las
obras.
Es común que las personas se pregunten frente a las obras:
¿esto qué quiere decir? lo que abriga la sospecha de que algo se esconde detrás
de éstas y la seguridad de que habrá una respuesta precisa. Sin embargo, esto
no es así siempre, ya que gran parte del arte contemporáneo se ha centrado en
ligarse al juego, al humor y la sátira.
También es importante comprender que los artistas
contemporáneos han vivido los cambios tecnológicos y sociales de su época como:
el fin de la guerra fría, la globalización, la aparición del Internet y el
consumismo extremo. Por lo tanto, en sus obras aparecen elementos ligados a estas
problemáticas.
Minerva Cuevas, artista conceptual mexicana que continuamente critica
y cuestiona el capitalismo en sus diferentes manifestaciones.
Donald McRonald, Minerva Cuevas, Performace, Francia, 2003
La palabra EFÍMERO es usado para referirse a algo de corta duración, temporal, pasajero.
"Es frecuente considerar obras de arte a aquellos objetos realizados sobre una materia que permite ser conservada, coleccionada y museada...lo que no es museable son las experiencias, las funciones simbólicas o significativas producidas por los artefactos" (Vázquez, 2008) La cultura occidental se ha
caracterizado por utilizar materiales rígidos en inmensos monumentos o en
esculturas (como las de bronce) al igual que se han introducido en el arte
materiales de prevención u conservación de bienes artísticos con la idea de
hacerlo permanecer eternamente. El arte efímero no es arte para la eternidad, sino impulsos para la reflexión. Al arte de nuestros días; por el contrario, no
le interesa permanecer para siempre. Su
gusto es, generalmente, por los materiales perecederos y por las
manifestaciones artísticas evanescentes; es decir, el arte contemporáneo está
pensado para su momento histórico, con un mensaje determinado, especifico. Está
hecho sin la preocupación e inclusive con el rechazo a ser eterno. Algunas manifestaciones del arte efímero pueden ser el Performance Art, Body Art, Land Art.
Melting Man, Nele Azavedo, 2009
Instalaciones de Hielo, Andy Goldsworthy
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “Estética de la virtualidad y deconstrucción del museo como proyecto ilustrado”, En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas - Universidad Complutense de Madrid, Nº | 20 (2008.4),
Una de tres sillas, Joseph Kosuth, 1965 La realidad, la representación visual y la verbal
El proceso
mental para llegar a un resultado artístico es lo más importante del hecho
artístico: la idea es más importante es su formalización, el proyecto más que
el producto.
El arte
conceptual (en una definición muy básica) tiene como objeto el lenguaje de la
palabra más que la visión. Su inicio suele ficharse en 1967 con los Paragrahps
on Conceptual Art (párrafos sobre arte conceptual) de Sol Lewitt, en ellos
escribe, “En el arte conceptual, la idea o concepto es el aspecto más importante.
Cuando un artista utiliza alguna forma de arte conceptual quiere decir que todas
las programaciones y decisiones están establecidas de antemano y que la
ejecución es un asunto mecánico. La idea se convierte en una máquina que crea
arte” Es por eso que algunas de sus características son la llamada
desmaterialización de la obra, la programada racionalidad, la supremacía de la
fase del proyecto sobre la ejecución y la lógica y el pensamiento del lenguaje.
Sin embargo el arte conceptual no pretende abandonar el lenguaje visual o
llegar al campo de la lingüística sino, experimentar el límite del concepto de
“arte.
John Cage, artista de arte contemporáneo que innova en el campo de la música, algunas de sus experimentaciones musicales son obras hechas al azar para aniquilar el ego del artista así las emociones no surgirán de la obra musical, sino de las personas que la escuchan.
Los confines de
la obra de arte se vuelven más inciertos: se puede crear arte sin obra, solo
con la acción: Acción que pertenece a los artistas y también a los
espectadores. Los primeros happenings
se remontan a finales de los años cincuenta, pero su apogeo se fecha entre los
setenta.
Acción dadaísta. Hugo Ball, Dada-Cabaret Voltaire, 1969
Wolf Vostell, Joseph Beuys, Nam June Paik, Charlotte Moorman, 1966
Lugares: Estados Unidos y Europa
Antecedentes: Las acciones de los futuristas y dadaistas Artistas: Jonh Cage, Allan Kaprow, Wolf Vostell, Joseph Beuys.
Desde los
primeros años del siglo XX la figura del artista asume una importancia cada vez
mayor, sin embargo no se dice que el propio artista sea tan necesario para
hacer arte, tal vez baste con que se ponga en marcha los mecanismos en virtud
de los cuales los espectadores, público o también todo aquel que esté
involucrado se conviertan en protagonistas de la acción artística. Este doble
aspecto (el artista como sujeto y obra al mismo tiempo, y la acción del artista
como catalizadora de la energía creativa del público) está en la base de las
experiencias artísticas de este género, se le conoce también con otras
denominaciones un tanto ambiguas como: process art, happening, fluxus.
La
característica principal es la relación con una acción física del sujeto, que
no culmina necesariamente en la producción de una obra o de un objeto.
Light/ Dark, Marina Abramovic y Ulay, 1977
Acción ritual, reacción en cadena de una disputa cada vez mas violenta.
Características
generales El performance
(del inglés, presentación o ejecución) es un género basado en la acción real
desarrollada en un tiempo y espacio real. En un
performance el artista se presenta, no representa, no actúa. A diferencia del teatro, la acción no se queda sólo en la
actuación: si el artista sangra, la sangre no es de utilería. Las obras se planean
para el instante y el espacio
especifico en que se desarrollan.
Rocío Boliver (La Congelada de Uva) trata de despertar a México
durante la toma simbólica de Televisa. Julio, 2012.
El periodo de
vida de la obra es el tiempo en que transcurre.
El performance
envuelve, dentro de sus posibilidades, desde investigaciones introspectivas del
propio artista, hasta rutinas derivadas de la vida diaria; desde rituales
catárticos, hasta pruebas de resistencia física; desde producciones multimedia
altamente sofisticadas hasta experimentaciones con medios masivos.
En el
performance el artista puede manipular diversos objetos o materiales, para
significar y también puede echar mano de
diversos medios como la música, el teatro, la iluminación o los medios
tecnológicos. El performance no es necesariamente un acto violento.
AYOTZINAPA
Actores de la Escuela de Arte Teatral, 2014.
Performance sobre los estudiantes desaparecidos por parte del Estado Mexicano
Es una tendencia
que persigue la renovación de la eterna, romántica, relación entre el hombre y
la naturaleza: se actúa sobre ella en lugar de representarla. Periodo: los
años sesenta y setenta Lugares:
desiertos, costas ríos y cadenas montañosas Artistas: Richard Smithson, Dennis
Oppenheim, Walter de Maria, Christo, Richard Long
En el Land Art,
cada objeto, lugar y acción pueden convertirse en un objeto de arte; en este
caso la acción sobre el territorio entendida como gigantesca operación de
alteración de los parajes naturales. Los land-artist tienen como instrumento y
como tema el territorio, la naturaleza, la tierra. Sus propósitos son volver a
poner en juego la relación entre el hombre y el mundo actuando sobre él, sin
representarlo, rechazar los instrumentos tradicionales del arte, y el sistema
de difusión. Excavar una trinchera en el desierto, empaquetar un
acantilado o registrar con fotografía la
línea que el propio paisaje crea en la pradera crea conciencia de la imitación
humana.
El Body Art toma como materia y como soporte el propio cuerpo del artista. Son acciones y rituales corporales que de alguna forma buscan la liberación del ser humano. El cuerpo es el
objeto de la exploración del artista, la auténtica materia sobre la cual y con
la que trabaja.
Azione Sentimentale, Gina Pane, 1973
Periodo: Principios de los setenta y accionismo vienés en 1962. Lugares:
explanadas abiertas, galerías, museos. Artistas: Marina
Abramovich, Gina Pane, Vito Acconci, Herman Nisch. Günter Brus, artista austriaco, es considerado para muchos
el padre del Body Art, pasó de la automutilación ficticia a lo real. Con la acción titulada Ana (1964) Brus inició las
"autopinturas". En esta acción trabajó el espacio tridimensional,
convirtiéndolo en un lugar blanco uniforme de dos dimensiones en el que el
cuerpo de su mujer pasaba a ser pintura viviente.
Günter Brus, Ana, 1964
El Body Art puede
considerarse una rama del performance en la que el sujeto, es decir, el
artista, además de sustituir a la obra, se convierte a su vez en objeto de su
propia acción cuando utiliza el propio cuerpo como obra, como materia para su
intervención.
Imponderabilia, Abramovic y Ulay, 1977
Antropometrías, Yves Klein
Entre las
temáticas mas explotadas por estos artistas están el sexo y el travestimiento a
manera de protesta social, pues estos comportamientos están vetados por la
normativa social, así la ideología de los artistas del cuerpo es estar en
contra de las reglas sociales, las convenciones y las inhibiciones, casi
siempre por vía del ritual, como ejemplo, los accionistas vieneses, un grupo de
artistas austriacos que se hizo famoso por sus escándalos en sangre y
sacrificio de animales de los cuales extraían los órganos, todo esto envuelto
en una atmósfera catártica, trágica y ritualista que para ellos resulto
purificadora.
La obra no se
limita ya al espacio del cuadro o de la escultura. Las instalaciones ocupan
materialmente grandes espacios y convierten al espectador en participe de la
obra.
Periodo: a partir de los setenta Lugares: Estados Unidos y Europa Antecedentes: Marcel Duchamp Artistas: Fabrizio Plessi, Rachel Whiteread.
Obsesión Infinita 2, Yayoi Kusama
El
arte de la instalación convierte un sitio entero, practicable por el
espectador. En esta disciplina se trasgrede a la tradicional división de las
artes, pues puede contener expresiones pictóricas, arquitectónicas, etcétera. La llamada instalación, contiene un poco de todas estas disciplinas, además de integrar al visitante con todos los sentidos y no solo la vista.En la instalación se busca que el espectador participe y recorra la obra. Se interviene un espacio.
1000 pequeños hombre de hielo, Nele Azevedo. 2010,
Instalación, crítica hacia el calentamiento global
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